Живопись на открытке
А.К. Саврасов (1830-1897). Пейзаж с отражением деревьев. Начало весны. 1876
Алексей Кондратьевич Саврасов вошел в историю отечественной живописи как основоположник лирического пейзажа, в котором выразил сокровенную сущность и особое очарование природы русской земли. Лучшая картина Саврасова - "Грачи прилетели" - для многих поколений художников и зрителей была, по выражению А.Н.Бенуа, "путеводной звездой", воплощением духа и образа национального пейзажа. Столь же проникновенным, лирическим мастером предстает Саврасов в своих многочисленных рисунках. Среди них лист "Начало весны" отличается особой поэтичностью. Художник обратился здесь к своему любимому мотиву. Он словно изобразил первое дыхание весны: голые ветви деревьев, как бы тянущиеся навстречу теплу, солнцу, отражаются в светлых лужах на талом снегу.
Многие рисунки Саврасова исполнены с применением специфических материалов и техники. Он рисовал на мелованной бумаге (папье-пелле) карандашом, с процарапыванием иглой или ножичком. Серебристый блеск карандаша, мерцающие на темном фоне штрихи иглы или узкие полоски белил - все это придает пейзажным рисункам Саврасова ему одному свойственный артистизм. Трепетностью и полнотой лирического чувства "Начало весны" ничуть не уступает живописным пейзажам художника.
( "Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987)
П.М. Шмельков (1819-1890). У родильного приюта. 1860-е годы
Расцвет творчества Петра Михайловича Шмелькова падает на 1860-е годы - период общественного подъема в России. Шмельков родился в семье крепостного крестьянина Оренбургской губернии. Только в 1843 году, будучи учеником Московского училища живописи и ваяния, он получил вольную, а в 1845 - звание свободного художника.
В историю русского искусства Шмельков вошел как замечательный мастер социально-обличительной графики, автор серий сатирических листов на темы из жизни чиновников, купечества, а также злободневных рисунков в московских журналах "Зритель" и"Развлечение".
Рисунок "У родильного приюта" - одна из лучших работ художника. Не случайно существует живописное произведение на ту же тему (Государственная Третьяковская галерея). Шмельков - сатирик и обличитель - предстает здесь мастером лирического дарования, полным искреннего сочувствия униженным и оскорбленным, чутко откликающимся на все "больные" вопросы русской действительности тех лет. Композиция листа немногословна и убедительна. Выразителен облик молодой женщины; пустынность тесных городских улиц подчеркнута одинокой фигурой сгорбившегося на козлах извозчика. Одушевленность городского пейзажа, лаконизм выразительных поз и жестов персонажей сочетаются в рисунке Шмелькова с достоверностью бытовых примет: это и надпись над дверьми приюта, и тщательное изображение звонка, фонаря, одежды женщины.
( "Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987)
И.Н. Крамской (1837-1887). Портрет Софьи Николаевны Крамской, рожденной Прохоровой, жены художника. 1860-е годы.
Иван Николаевич Крамской - глава и идеолог демократического направления в русской живописи второй половины XIX века, организатор Товарищества передвижных художественных выставок. Он является автором широко известных картин, создателем портретов крупнейших деятелей культуры своей эпохи.
В начальные годы творческого пути Крамской исполнил много рисунков в технике соуса с добавлением карандаша и белил. На их стилистике (нейтральный фон, плавные переходы светотени) сказалось влияние тогдашней фотографии - дагерротипа. От большинства других соусных портретов молодого художника изображение С.Н.Крамской отличается не только яркостью характеристики, но и свободой рисунка, мягкой, непринужденной манерой исполнения. Лицо модели - главное в портрете. Оно выделено неширокой полоской белого воротничка, очертания плеч лишь намечены. В непритязательном, лишенном каких-либо аксессуаров графическом портрете отчетливо обнаруживается новое понимание идеала женской красоты, которое принесла эпоха 1860-х годов. Мягкая женственность и поэтичность неотделимы в облике модели от серьезности, одухотворенности, скромности.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
И.И. Шишкин (1832-1898). Цветы в лесу. 1877
Живописные пейзажи Ивана Ивановича Шишкина, такие, как "Рожь", "Утро в сосновом лесу", "Лесные дали" и многие другие, давно уже стали неотъемлемой частью отечественного культурного наследия. Но Шишкин был не только живописцем, он также известен как превосходный рисовальщик и автор многочисленных пейзажей, исполненных в технике офорта.Мастерством Шишкина-рисовальщика восхищались еще современники художника.
И.Е.Репин так описывал впечатление, производимое рисунками Шишкина: "Публика, бывало, ахала за его спиной, когда он своими могучими лапами ломового и корявыми, мозолистыми от работы пальцами начнет корежить и затирать свой блестящий рисунок, а рисунок, точно чудом или волшебством каким, от такого грубого обращения автора выходит все изящнее и блистательнее".
Поистине блистательным можно назвать и цикл "Цветы в лесу". На фоне темной лесной чащи тонким кружевом выделяются светлые венчики высоких зонтичных цветов. Не нарушая естественности наблюденного в натуре мотива, художник средствами, присущими именно графике - контрастами черного и белого, линии и пятна, - усиливает выразительную декоративность сочетания общего и отдельных деталей, сопоставляя темную массу леса с изысканным рисунком древесных стволов, листьев, причудливых цветов, высящихся над опушкой.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
Н.А. Ярошенко (1846-1898). Прогрессистка. 1870-е годы
В плеяде художников-передвижников Николаю Александровичу Ярошенко принадлежит самое почетное место. Его картины "Всюду жизнь", "Кочегар", "Заключенный", портрет актрисы П. А. Стрепетовой - замечательные примеры живописи критического реализма.
Одна из важнейших тем в творчестве Ярошенко - характеры и судьбы студенческой молодежи, молодых женщин, стремящихся к знаниям, активной общественной деятельности, равноправию. Недаром В.В.Стасов называл его "по преимуществу портретистом современного молодого поколения, которого натуру, жизнь и характер он глубоко понимает, схватывает и передает". Таким "портретистом молодого поколения" является Ярошенко и в рисунке "Прогрессистка" - графическом портрете неизвестной молодой женщины. Все в ее облике дышит прямотой, серьезностью, благородством. Смелый взгляд, волевое выражение лица как нельзя лучше сочетаются с темным закрытым платьем, оживленным лишь краем белого воротничка, коротко подстриженными волосами. Портрету свойственна целостность. И образ модели, воплощающий новые представления о жизненном назначении и внешнем облике молодой женщины, и строгая стилистика черно-белого портрета соусом - все в "Прогрессистке" созвучно этическим и эстетическим идеалам передовой части русского общества второй половины XIX века.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
В.М. Васнецов (1848-1926). Заречная слободка Берендеевка. Эскиз декорации. 1885
Эскизы декораций и костюмов были исполнены Виктором Михайловичем Васнецовым для постановки оперы "Снегурочка" в частной опере С.И.Мамонтова в сезон 1885-1886 годов. Васнецов многие годы был деятельным участником художественного кружка, возникшего в доме известного мецената и промышленника Мамонтова. Эстетические представления кружка - любовь к миру народной поэзии, чуткое понимание красоты национального пейзажа, своеобразия народного искусства, крестьянского бытового убранства - нашли отражение в художественном решении васнецовских эскизов к "Снегурочке". В них живет особый мир: сказочно-наивный, светлый и радостный. Лица и костюмы персонажей, пейзажи - все пронизано юмором, непосредственностью увлекательной игры, свойственной духу сказки, всюду царит простодушная вера в торжество добра, красоты, справедливости. Чистые алые, синие, светло-зеленые, золотистые тона на белом листе бумаги образуют красочный узор, вдохновленный цветовыми созвучиями народного искусства. Легкая, светлая колористическая гамма эскизов усиливает ощущение радостной гармонии "Берендеева царства". Эскизы Васнецова к опере "Снегурочка" стали важным этапом в истории русской сценографии, знаменовали собой начало эпохи ее замечательного расцвета.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
И.И. Левитан (1860-1900). Осень. 1890-е годы
Исаак Ильич Левитан вошел в историю русского искусства как создатель пейзажа настроения. Органической частью его творчества являются графические произведения. Станковые рисунки, в особенности акварели, Левитана во многом близки его живописи, но отличаются присущим именно графике своеобразием колористического и композиционного решения. Такова акварель "Осень" 1890-х годов.
"Пышное природы увяданье", осенние мотивы - любимейшие в творчестве художника. В акварели "Осень" поражает удивительное сочетание достоверности пейзажного мотива с замечательной декоративной выразительностью листа в целом. Ветви елей, срезанные левым краем листа, создают ощущение естественности, чуть ли не случайности композиции. Вместе с тем ряд тонкоствольных деревцев образует с елями некую плоскость, организующую все пространство пейзажа. Сквозь кружево обнаженных ветвей и россыпь бледно-зеленых листьев отчетливо виден дальний берег, покрытый лесом. Точность рисунка деталей первого плана усиливает ощущение особой прозрачности, осенней "сквозистости" воздуха, свойственной ясным, прохладным дням "осени первоначальной". Этому же в сильнейшей степени способствует гармония колористического решения, гамма поразительных по красоте и жизненности золотисто-зеленых, сизо-голубых оттенков.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
Ф.А. Васильев (1850-1873). Ручей в лесу. Начало 1870-х годов
В творческом наследии Федора Александровича Васильева большое место занимает графика - рисунки, акварели и работы, исполненные своеобразной разновидностью акварельной техники - сепией. Сепия "Ручей в лесу" близка живописным произведениям художника. Исследователи полагают, что лист был сделан в первоначальный период пребывания Васильева в Крыму, где он поселился в конце лета 1871 года в связи с усилившейся болезнью и провел последние годы своей жизни. Сюжетный мотив сепии, как и одной из лучших картин Васильева, написанных в Ялте - "Мокрый луг", - навеян воспоминаниями о дорогой сердцу художника среднерусской природе, проникнут глубоким волнением, тоской по родным местам.
В работе "Ручей в лесу" смятение чувств, таинственный драматизм жизни природы обнаруживаются в борении яркого света и глухих, темных теней, в лихорадочном темпе нанесения пятен сепии, штрихов белил. Как и живописным произведения Васильева, его графическим листам присущ романтически взволнованный, глубоко эмоциональный характер.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи". Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
Ф.А. Васильев (1850-1873). После проливного дождя. 1870
Художническая деятельность трагически рано скончавшегося Федора Александровича Васильева продолжалась немногим более шести лет. Но за короткое время, отпущенное ему судьбой, художник внес значительнейший вклад в русскую пейзажную живопись. Об этом свидетельствуют такие его картины, как "Оттепель", "Мокрый луг", "В Крымских горах" и многие другие. Васильев учился у И.И.Шишкина, внимательно следовал советам И.Н.Крамского, изучал произведения западноевропейских пейзажистов XIX века. Но уже в самых ранних вещах проявилось самобытное, оригинальное дарование замечательного мастера.
В образном, колористическом строе акварели "После проливного дождя" особенно полно раскрылась драматическая сторона таланта Васильева. Насыщенностью и звучностью отличается цветовое решение листа. В нем ощутим, кажется, сам аромат воздуха, напоенного послегрозовой свежестью, уловлены особые оттенки красок земли, травы, деревьев, когда, еще влажные, они вспыхивают в первых лучах солнца, прорывающегося сквозь облака, гонимые ветром. Васильева привлекали в природе состояния переходные, полные движения и борьбы: стремление к устойчивости, статике ему чуждо. В этом смысле мотив "после дождя" характерен для художника. Он обращался к нему и в живописи, и в рисунке, в работах, исполненных акварелью, сепией.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи" Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
В.И. Суриков (1848-1916). Севилья. 1910
В собрании Государственной Третьяковской галереи в настоящее время сосредоточено наибольшее количество акварелей Сурикова. В них можно наметить различные группы. Одну образуют работы, связанные с историей создания больших картин, другую - пейзажи, сделанные во время поездок по стране и заграничных путешествий. Таковы пейзажи 1884 года - периода итальянской поездки, и акварели, относящиеся к путешествию в Испанию в 1910 году.
Акварелям испанского путешествия, в которое Суриков отправился с молодым П.П.Кончаловским, суждено было стать заключительным этапом творческой эволюции мастера. Своеобразие акварельной техники, дающей возможность непосредственного воплощения впечатлений от натуры, здесь проявилось особенно смело и ярко. Никогда прежде не было у художника таких дерзких сочетаний открытого цвета - красного, синего, желтого; никогда не был столь ослепительно светоносным по контрасту с насыщенным цветом белый лист бумаги. В великолепной акварельной сюите 1910 года воплощен живой, лишенный всякого налета экзотики, облик Испании: полуденный зной раскаленных площадей города, прохлада и сумрак старых зданий, жестокая простота сцены боя быков. Лаконичность и смелость цветовых контрастов, приемы композиционного кадрирования сближают эти листы Сурикова с новаторскими исканиями отечественного искусства начала XX столетия.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи" Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)
В.И. Суриков (1848-1916). Старшая дочь Меншикова
В творчестве Василия Ивановича Сурикова - мастера эпических полотен на темы русской истории - акварельные работы занимают особое место. Именно акварель, искусство более камерное, интимное, нежели живопись, становилась подчас сферой выражения задушевных сторон личности художника, самых непосредственных движений его сердца. Таков и этюд "Старшая дочь Меншикова". В нем изображена жена художника Елизавета Августовна, рожденная Шаре (1858-1888). В годы работы Сурикова над картиной она была безнадежно больна. Поэтическая прелесть облика темноволосой бледной молодой женщины неотделима от ощущения близящейся трагической развязки:печален взгляд глубоких темных глаз, мрачно звучит синевато-черный цвет бархатной шубки. Жест рук, угадываемых под одеждой, контраст темного силуэта со светлым фоном бумаги усугубляют драматическую экспрессию этюда.
В картине "Меншиков в Березове" Мария, старшая дочь некогда всесильного временщика, - фигура наиболее трагическая. Бывшая невеста наследника престола, она после крушения, постигшего ее отца, скончалась в ссылке. Эмоционально-образная близость, существующая между этюдом и персонажем в законченной картине, - характерная черта творческого метода Сурикова. Модель никогда не была для него только натурщиком, безликим статистом. Создание этюда становилось важной ступенью в постижении образа героя произведения.
("Акварель и рисунок второй половины XIX века в собрании Государственной Третьяковской галереи" Автор-составитель М.А.Немировская. Изд."Изобразительное искусство". Москва. 1987 г.)